《巴比伦》：一封致所有电影工作者、影迷、理想主义者以及电影艺术本身的真挚情书(2)

　　 火红的色调笼罩着周围，散发着炽热的气息。质感粗犷而有力，仿佛能触摸到每一处凸起的坚实。空气中弥漫着诱人的香气，让人无法抵挡。裸露的肌肤被高温炙烤，显得充盈饱满，让人垂涎欲滴。这一幕仿佛将人们带入了一个世界，放纵在色彩与触感的交织中。

　　 营造的奢靡、宏大、混乱且充满激情的氛围令人大开眼界。

　　 再说到电影时代的变更的打光，好比如第一场室外戏🎦的场景，忙碌的工作人员快速穿梭着，脚步匆忙却有条不紊。数以千计的人群演员拥挤在一起，接踵而至，仿佛无尽的人潮涌动。整个场面看起来有条不紊，却又显得纷杂不堪，宛如一场无比错乱的交错演出。这时的电影为何忙碌？因为他们的光源主要取决于阳光☀️是靠上天赏饭吃。

　　 女主这边也一样，也只是靠蝴蝶布来柔化太阳直射光，没有其他调度的光源。

　　 而到了有声工业化电影时代的内景棚，人工打光取代了阳光自然光源。

　　 默片时代和有声时代的对立不仅如此，默片时代时主要由导演掌控着电影的全局，演员也能将周围嘈杂的环境仿佛置身事外，随性发挥自己的演技，让电影有一种自然纯粹的美感。

　　 韩国导演朴赞郁曾经说过“在Action和Cut之间，当整个宇宙都集中在演员脸上的那一瞬间，关乎在场所有人的生死”。这段话用来描述有声电影时代的到来再合适不过了。有声电影不再像默片那般能够随性创作，它对于演员和电影场景的要求都更加苛刻，是多个职位一同合作出的产物，哪一环掉链子都不行。电影里Nelli拍摄一个小片段时因为走位不对受不到音或场务有杂音等小问题，将一个片段反复录制了很多遍。

　　 演员就像演员就如同一颗颗棋子♟️，在舞台上从一个Mark点✖️走到另一个Mark点，他们必须精确无误，不容出一丝差错。就像棋局中的每一步都承载着战略与技巧，演员在舞台上的每一个动作、每一句台词都需要经过精心设计和无数次的排练。

　　 每一个Mark点都是指引他们前进的路标，他们必须切实地定位自己的位置，准确地把握时间和空间。就像棋子在棋盘上精准地移动，演员需要在舞台上找到合适的姿势、正确的动作和准确的表情，与其他演员协调配合，呈现出完美无瑕的戏剧画面。

　　 然而，艺术的魅力也在于其中的细微差别。尽管演员要力求精确，但个体的特质和创造力也会渗透到表演中。这些微小的差别会让每次演出都成为独一无二的体验，给观众带来意想不到的感动和震撼。

　　 就像默片时代那样因为浑然天成的表演和恰到好处的阳光，追求天时地利只为造就那一刻无可比拟的画面，大家也都为这一刻而发自内心的激动和喜悦。

　　 其实从上述内容以及影片里的多处对比，我们也能感受到导演对于过去黄金时代的追求🥰以及对与现代工业的不屑🫤

　　 再到现实，80后天才导演，为什么要坚持胶片📽️🎥🎞️这种费力费钱还过时的办法来拍电影🎬？

　　 我想，或许就像电影里Manuel和Roy两人故事那样，你想要得到的越多，相对应的所需要付出的代价也越多，这是理想与现实。而在导演就像另一部作品《爱乐之城》里的男主Seb那般，Seb选择拥抱过去（坚持做传统爵士乐的理想），义无反顾地执着于过去（开一家属于自己的爵士乐酒吧）。他们都选择重拾旧时光，并且选择一直游到海水变蓝。

　　 🎥光影都被记录在这一张张连续不断的胶片上，这是一个又一个瞬间和刹那，而我们本以为的“线”，其实也只是一些连续的“点”，那看似线一样的人生其实也是点的连续，是人生连续的片段，我们只能活在“此时此刻”，人生最大的谎言就是不活在“此时此刻”。如今，我们依旧可以在电影院里享受前人们谱写的浪漫，可以在这些荧幕上的光影中得以从现实的压力和烦恼里暂时抽离出来，享受片刻的喘息。我也不明白什么是最好的“黄金年代”，它是否已经过去了，或我已身在其中，又亦或仍未到来。Whatever，我想，我们能生在这样的时代环境中，能够看到这样一部充满天才与天真、又带有一丝执拗坚持的作品，能够在当下追求效率和经济效益的工业环境下能被制作出来，本身就是一个奇迹了，我们都已经算得上是足够幸运🌟的人了。

　　 电影🎬于我而言意义重大，它能让我身临其境之中，扮演电影中的角色，经历着那些缠绵的爱情与骨肉相争的恩怨情仇。这些光影间编织的情感画面，如珠宝般瑰丽且精致，巧妙地镶嵌在我内心深处。它们不仅成为了我的回忆，更是一部独特的电影史诗，拓印在我的心灵上，历久弥新。